sección VINTAGE. al compás de mis recuerdos

el cine y su música

(c) Jorge Luis Viera



Dirigida por Henry King y filmada en 1938, “Al compas de mis recuerdos” (Alexander’s Ragtime Band, su título original) es una película muy de su época que desarrolla el consabido argumento chico encuentra chica, chico pierde chica, chico recupera chica, aunque en esta oportunidad la diferencia radica que la acción está acompañada por las canciones del prolífico Irving Berlin.



Todo comenzó cuando la 20th Century-Fox planeó hacer una biografía de Berlin, algo con lo que él no estuvo de acuerdo porque ya tenía entre manos una ficción acerca de una banda que inicia una nueva era en la música popular de entonces. Berlin trabajó durante dos años junto con el estudio, en tanto preparaba la música. El resultado incluiría veinticuatro de sus más famosas canciones.



“Al compás de mis recuerdos” es una película en la que el trabajo del director Henry King es generalmente poco valorado. El film tiene lo mejor de su talento para el gran espectáculo combinado con una habilidad poco común para enfocar una historia que comienza en la denominada Costa Bárbara de San Francisco en 1911, donde el joven aristócrata Roger Grant (Tyrone Power) discute con su tía Sophie (Helen Westley) y el profesor Heinrich (Jean Hersholt) disgustados con él por su decisión de abandonar la música clásica para dedicarse a otra más popular. Llevado por este deseo forma una banda junto con Charlie Dwyer (Don Ameche) compositor y pianista, y Davey Lane (Jack Haley, el Hombre de Lata de “El Mago de Oz") un excelente baterista. Juntos, acuden a una prueba en el bar Dirty Eddie's.



Charlie lleva al concurso una pieza musical que cambiará antes de salir a escena para interpretar un nuevo tema de su autoría: "Alexander's Ragtime Band”. La canción se convierte en un éxito tal que Roger terminará llamando a la banda con el nombre del tema y cambiando el suyo por Alexander. De ahí en más el film narra su camino a la fama y los encuentros y desencuentros de los protagonistas, matizado con la mejor música.



La película reunió como protagonistas a Tyrone Power, Alice Faye y Don Ameche, luego del gran éxito de “En el Viejo Chicago” (In Old Chicago.1937) en tanto que ficciona los años tempranos del jazz, complementadas por el talento de Irving Berlin.



En la entrega de los Oscar de 1939, “Al compás de mis recuerdos” se alzó con el premio a la mejor banda sonora para el compositor y director de orquesta Alfred Newman, quien años más tarde volvería a ganarlo por “El Manto sagrado” y “Aeropuerto”. También fue nominada para mejor dirección de arte (Bernard Herzbrun y Boris Leven), mejor edición (Barbara Malean), mejor canción (Irving Berlin por “Now It Can Be Told”), mejor producción (Darryl F. Zanuck y Harry Joe Brown) y mejor guión original (Irving Berlin).



Hubo otros films con igual título basados en la popular canción de Berlin. El primero de ellos fue realizado en 1926 y se trató de un dibujo animado dirigido por Dave Fleischer. El otro fue filmado en 1931 y se trata de otra animación dirigida por Fleischer junto con Shamus Culhane como co-director no acreditado; como voz solista fue utilizada la cantante Dora Stroeva para interpretar, obviamente, la canción del título.



Temas musicales que se escuchan en el film Intérpretes

"Alexander's Ragtime Band". Alice Faye.
"Ragtime Violin". Jane Jones, Otto Fries y Mel Kalish.
"That International Rag". Alice Faye.
"Everybody's Doin' It". Wally Vernon, Dixie Dunbar y Alice Faye.



"Now It Can Be Told". Alice Faye y Don Ameche.
"This Is The Life". Alice Faye. (bailado por Wally Vernon)
"When the Midnight Choo-Choo Leaves for Alabam". Alice Faye.
"For Your Country and My Country". Donald Douglas.
"I Can Always Find a Little Sunshine at the YMCA". The King's Men.



"Oh, How I Hate to Get Up in the Morning". Jack Haley, Ethel Merman y el Coro del Ejército.
"We're On Our Way to France". Versión Coral.
"Say It With Music". Ethel Merman.
"A Pretty Girl Is Like a Melody". Ethel Merman.
"Blue Skies". Alice Faye y Ethel Merman.



"Pack Up Your Sins and Go to the Devil". Ethel Merman.
"What'll I Do". Versión Coral.
"My Walking Stick". Ethel Merman.
"Remember". Alice Faye.
"Marie". Versión Coral.
"Easter Parade". Don Ameche.
"Heat Wave". Alice Faye y Ethel Merman.
"Marching Along With Time". Ethel Merman.
(Escena cortada en el film, puede verse en la versión norteamericana en DVD).



"Some Sunny Day" Don Ameche
(Escena cortada en el film, puede verse en la versión norteamericana en DVD)

Esta nota puede consultarse en: http://elcineysumusica.blogspot.com)

la máquina de picar carne

BACKSTAGE

Interesante película francesa que ha pasado rauda por los cines locales y, tal vez, mereció mejor suerte. “Backstage” es la historia de un ídolo cruel que subordina su entorno personal (amantes, posibles hijos, fans, colaboradores, agentes) a su capricho arbitrario, discrecionalidad ejercida con saña y sin remordimientos.



Esta es la historia de una fanática que cae rendida a los pies de la estrella popular y de la evolución de un deterioro mental persistente y sistemático. Lucie es una adolescente enamorada de Lauren Waks, una cantante con el lomazo de Emanuelle Seigner. A la piba le cambia la vida, un día que llega a su hogar y descubre que es involuntaria protagonista de un programa televisivo que le ha traído a su estrella preferida a casa para cantarle una canción. Lucie enmudece, la abraza llorando y luego se esconde en su habitación.



Pasado el papelón, la va a buscar a París y logra llamar la atención de la cantante que está pasando un pésimo momento personal tras la ruptura con su pareja. Lucie logra transformarse en una confidente de la estrella y, poco a poco, se convierte en un títere más de su obsecuente entorno.



Ése es el principal hallazgo de la historia escrita por Emmanuelle Bercot (directora del filme) y Jérome Tonnerre, el grado de perversidad que despliega un personaje que se pasa, la mayor parte del filme, haciendo las veces de víctima endeble.

Sutil en su descripción, el guión de “Backstage” detalla, muy precisamente, esos modos con que el ídolo logra que todo su entorno se rebaje a niveles impensados para conseguir su capricho del momento. No hay imperativo moral ni límite que la sociedad le marque al ídolo mediático. Todo le es permitido con una sonrisa y buena disposición. Sobre todo (hay que destacarlo) porque ese entorno lucra con el talento de ese ídolo al cual todo se sacrifica.

Una atractiva banda sonora (de colección) y dos muy buenas actuaciones, la de la mencionada Gran Baba del Mes Emanuelle Segnier y la de Isild Le Besco como la adolescente que idolatra a la estrella pop. El resto del elenco acompaña con solvencia.



No rompe los formatos, pero se destaca. “Backstage” es una película que deben anotar aquellos que les gusta la sutileza del cine francés.

Escenas destacadas: la aparición de Lauren en casa de Lucie; la discusión final de Lucie y Lauren; la canción del final, sobre títulos.

CONSEJO: esperar al DVD, pero agendar.

whitelocke

El 18 de marzo de 1808, el consejo de guerra reunido en la ciudad de Chelsea para juzgar el desempeño del general John Whitelocke, jefe de la segunda invasión inglesa al Río de la Plata, dispuso darlo de baja y declararlo inepto e indigno de servir a su majestad en ninguna clase militar. Además, ordenó que se leyera la sentencia en todos los regimientos al servicio del rey. Según el texto, "para que sirva de eterno recuerdo de las fatales consecuencias a que se exponen los oficiales revestidos de alto mando que, en el desempeño de los importantes deberes que se les confían, carecen del celo, tino y esfuerzo personal que su soberano y su patria tienen derecho a esperar de ellos".

"Cuando desembarcó en Ensenada de Barragán para marchar sobre Buenos Aires, Whitelocke contaba con un ejército de 10.000 hombres aguerridos, protegidos por una flota de 130 buques comandados por el almirante sir Home Riggs Popham. ¿Qué pasó? ¿Por qué no pudo tomar la ciudad?", se pregunta Rosario Zubeldía, directora de la obra teatral Whitelocke, un general inglés, de Jorge Castelli y Cristian Krämer, en el Teatro Cervantes.

"Según los autores, hay una zona oscura en la vida del militar donde ocurrieron hechos que condicionaron la actitud del hasta entonces exitoso comandante. La pieza es la adaptación teatral de la obra de Castelli El delicado umbral de la tempestad, Premio LA NACION de Novela en 2000. El núcleo de la trama es una reflexión sobre un tema conflictivo: la obediencia ciega, sin condiciones; para decirlo en términos más actuales, la obediencia debida", agrega la directora.

(..)

Basándose en crónicas de la época, imaginan que hubo dos hechos. El primero, cuando un capitán a su mando desobedeció abiertamente sus órdenes. Esto habría causado una honda impresión en el entonces coronel, porque para él la desobediencia era algo impensado en un soldado al servicio de la corona. El segundo hecho fue más dramático: en una de sus campañas por el Caribe se enamoró de una joven haitiana con la que tuvo un hijo. Pero años más tarde, en 1793, debió comandar una sedición contra Haití. Partió de Jamaica y rodeó la ciudad de Port-de-Paix, en el norte, donde precisamente residían su mujer y su hijo.

(…)

Whitelocke contaba con fuerzas superiores y esto le planteó la alternativa de ordenar a sus tropas que avanzaran y arrasaran la ciudad, y se pusiera así en peligro la vida de sus seres amados, o siguieran esperando. La orden superior fue avanzar y, finalmente, decidió obedecer. Su mujer y su hijo murieron en manos de sus propios soldados y, a partir de entonces, Whitelocke se transformó en un ser dubitativo, de actitudes ambiguas. Un personaje con el que pronto nos sentimos identificados en el odio y el repudio. Los autores suponen que ante la tenaz resistencia de Buenos Aires se le planteó una circunstancia parecida, y los traumáticos recuerdos de la toma de Port-de-Paix lo llevaron a intentar el asalto sin convencimiento, con un gran sentimiento de culpa.


(…)

En su novela El delicado umbral de la tempestad , base de la versión teatral, Jorge Castelli cita que durante el juicio el general Robert Craufurd recordó un diálogo que mantuvo con Whitelocke en Montevideo, antes de avanzar sobre Buenos Aires. Dijo, mirando las casas de esa ciudad: "Tienen ángulos de 90 grados, sin ochavas, frentes lisos, ventanas enrejadas... No hay lugar donde guarecerse. Nunca entraría allí con un regimiento de infantería". Sin embargo, 10 días más tarde, avanzó sobre la ciudad con infantería. Además, contaba con la artillería de los barcos de la flota del almirante Popham y podría haber bombardeado la ciudad.

"La disciplina ayuda a superar el miedo"
Reportaje de LUIS AUBELE a ROSARIO ZUBELDÍA

Ultima página / A boca de jarro"La disciplina ayuda a superar el miedo"

Rosario Zubeldía

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lanacion.com | Espectáculos | Domingo 3 de agosto de 2008

(Este post puede consultarse en: http://invasionesinglesas.blogspot.com)

frases de “Una guerra de película”

En el invierno de 1969, el Ejército de los Estados Unidos envió una fuerza de elite para una misión secreta al Sureste de Vietnam. El objetivo: rescatar al Sargento Four Leaf Taybin de una prisión de alta vigilancia. La misión fue considerada casi un suicidio. De los diez hombres que fueron sólo volvieron cuatro. De esos cuatro, tres escribieron lo que sucedió. De esos tres, dos los publicaron. De esos dos, de uno se hizo la película. Esta es la historia del hombre que intentó hacer esta película.

-No siento mis piernas.
-No fue nada.
-Sostén mis manos…

-Alguien cercano a él dijo: "Otro fracaso y está acabado".
-¿Alguien dijo que era “cercano” mío?

-Ahora eres como ese niño en el patio de recreo, el que tiene piojos y los niños no quieren jugar con él.
-¿Qué quieres decir?
-Lo que quiero decir es que te tenemos que afeitar la cabeza y ponerte a jugar.

¿A quién le importa cuánto talento pueda tener? Si él llora, tú lloras el doble.
¿No mataron a tu perro o algo así cuando eras niño? Vamos, piensa en eso.



¿Ya tienes TiVo?

¿Sabes cómo se controla un actor? Cuando empiezan a lloriquear por cualquier cosa, le bajas el pantalón y le das unas cuantas nalgadas.

-¿Quién es ése?
-Les, ése es Forley.
-Stanley Forley. Yo escribí el libro.
-¡Oh! Usted es un buen americano. Este país le debe mucho a usted. Ahora se calla la boca y me deja hacer mi trabajo.



A partir de ahora mi puño va a estar tan cerca de tu culo que cada vez que quieras cagar, vas a tener que pedirle permiso a mi anillo. Controla a tus actores o te mato.

-Sacamos a esos hombres. Coddy y yo incendiamos la maldita jungla para que esos malditos actores se caguen del miedo y empiecen a gritar. Van a desear estar muertos.
-Hagámoslo. Tiene estilo.

He hecho más escenas con efectos especiales que tú. Y creo que puedo reconocer una cabeza de utilería cuando la veo. Es sólo jarabe de maíz. Jarabe de maíz con látex. Tibio. Jarabe de maíz con sabor a sangre.

¿Alguien leyó el guión?

Mira, Dustin Hoffman en "Rain Man" parecía retrasado. Él no es retrasado, pero logró un retrasado de forma artística. Y Tom Hanks en "Forrest Gump". ¿Lento? Tal vez. ¿Retrasado? Quizás. Trabajó mucho, pero si ganó una competencia de ping pong, eso no es ser retrasado. Ni uno ni el otro eran verdaderos retrasados. Tú no eras un retrasado total. Nunca fuiste un retardado convincente. Si no lo crees, pregúntale a Sean Penn. Mira su personaje.

-Maté un panda, Rick. Creo que hay más en el bosque.
-Mónica, deja de escuchar la conversación. La mataste. ¿Mataste a una prostituta? Cálmate. Esto es lo que vamos a hacer: mete las manos en blanqueador, tómate un Prozac y todo está bien.
-No, maté un panda. Maté un panda.
-¿Amanda? Vamos, socio. Ése ni siquiera es su nombre.

Tú eres el Jack. Tú eres el del “Simple Jack”.



-¿Estás prestando atención? Estoy hablando de… ¡G5, Pecker! ¡Es como puedes rodar! ¡No más putas millas de viajero, muchacho! ¡Oh, sí! ¡Juega, juega, juega, Gran Pene, juega!
-¡Dobla las rodillas!
-¡Gran Pene, bebé!
-¡Sí!
-O… puedes hacer crecer una conciencia en los próximos cinco minutos y veremos dónde te lleva…

-¿Quieres que deje a mi cliente de 15 años, uno de mis mejores amigos, que muera en la selva, sólo por un poco de dinero y un G5?
-Sí.
-¿Un avión G5?

¡Tú mmmmmmeeeee hacés fe-fe-liz!

¡Yo no quiero morir como Hendrix!

balas sobre Hollywood

UNA GUERRA DE PELÍCULA

Si usted se rió con “Zoolander” y considera que fue una de las comedias más divertidas de los últimos tiempos, no puede dejar pasar “Una guerra de película”. El estilo Ben Stiller en una cruda radiografía de Hollywood. Feroces gags que atacan la maquinaria delirante de la producción y la creación de la industria cinematográfica norteamericana. Actores, directores, guionistas, productores, todos caen la volteada de esta muy buena película de Ben Stiller.

Nos cuesta entender la postura de ciertos críticos locales, que se enredaron en la “incorrección política” del humor de “Una guerra…”. A esta altura, ¿hay que explicar que el gag de la discusión de cuán retardado mental debe ser un personaje para ganar un Oscar, es un gaste a la Academia y a los actores, y no a los chicos con discapacidad mental? ¿Le cuesta tanto a un crítico percibir adónde apunta el chiste, para colgar el cartelito más acorde a sus propios prejuicios? El humor de los hermanos Farelly debió luchar con ese mote de incorrección cuando en realidad es todo lo contrario. Es en estos puntos donde vemos las fallas de nuestra crítica que no tiene la menor idea de lo que está mirando y opina con gratuidad.



“Una guerra…” es la historia de cinco actores que buscan reanimar sus alicaídas carreras con una película bélica, muy en el tono patriotero heroico norteamericano. Las carencias del equipo son tantas que, tras arruinar una escena muy cara, el director decide llevarlos a una zona de guerra y “simular” la acción, para tomarlos en vivo, con la adrenalina corriendo por sus venas en el campo de combate.

Claro, hay un problema: el equipo cae en una zona verdaderamente en guerra, tomada por un grupo de narcotraficantes. Y ahí van ellos, creyendo que están filmando una película, cuando en realidad se meten solitos en la boca del lobo.



“Una guerra…” es el registro irónico de todos los tics de la gente involucrada en la industria cinematográfica norteamericana. Desde el ego desmedido de los actores, chiquillos inseguros y caprichosos, hasta la falta total de valores morales de los productores, sólo guiados por sus ansias de taquilla.

No hay papel que sobre en este elenco muy parejo que se muestra cómodo en el delirio de la trama. Hay más de un cameo para disfrutar, de los amigos de Stiller. Nos quedamos con el excelente trabajo de Tom Cruise, como un productor gordo y pelado (cuesta reconocerlo); Robert Downey Jr. (el actor que se pigmenta de negro para ponerse en personaje); las caras de Ben Stiller (Simple Jack, impresionante) y Nick Nolte como el veterano de guerra que le faltan las manos.



Escenas destacadas: el gag de la cabeza; el gag de las manos; el corto de presentación de cada actor, como una publicidad cinematográfica, en especial “El callejón de Satán” con Kirk Lazarus; el chico que revolean del puente; el gag del Panda; el mencionado gag de la discusión de cuán retardado mental debe ser un personaje para ganarse un Oscar; la discusión entre el productor Less Grossman y el representante de Tugg con la discusión ética de la elección entre un avión biplano o dejar morir a su representado; el gag de Jon Voight esperando el Oscar.

Las mejores frases, mañana.

CONSEJO: imperdible. Ojo: si usted es de esos tipos que le buscan la vuelta a las películas de humor, siga de largo.

el mono de la tinta

“Este animal abunda en las regiones del norte y tiene cuatro o cinco pulgadas de largo; está dotado de un instinto curioso; los ojos son como cornalinas, y el pelo es negro azabache, sedoso y flexible, suave como una almohada. Es muy aficionado a la tinta china, y cuando las personas escriben, se sienta con una mano sobre la otra y las piernas cruzadas espernado que hayan concluido y se bebe el sobrante de la tinta. Después vuelve a sentarse en cuclillas, y se queda tranquilo.”
WANG TA-HAI (1791)

JORGE LUIS BORGES – MARGARITA GUERRERO
“El libro de los seres imaginarios”

no va más

CLIMAS

Éste es el tipo de películas que hace delirar a la crítica local y bostezar al público. “Climas”, la película escrita, dirigida y actuada por el turco Nuri Bilge Ceylan, es la historia de la ruptura de una pareja. El guión sincroniza el final de la pareja con el fin del verano y el comienzo del invierno. No es la primera vez que, en una historia, el cambio climático indica la evolución de un protagonista. Acá, más o menos como excusa, el paso de un día de playa bajo el sol, a una tarde fría bajo la nieve, marca el final de un romance. El amor que nos embriagaba, un rato después, es apenas un mal recuerdo.



“Climas” tiene el pecado de ser una de esas películas con personajes que miran en silencio a cámara, marcando el hastío y la incomunicación de la pareja. El recurso podía ser novedoso en los '60; en estos tiempos, con un par de escenas precisas, nos damos cuentas enseguida de lo que pasa. Parece un subrayado innecesario en estos tiempos de espectador cinematográficamente entrenado por la videocasettera y el DVD player.



Para el guionista novel, es interesante observar la única escena que funciona de toda la película, el intento de reconciliación de Isa con Bahar (Ebru Ceylan, la esposa del director). Pese a que “no se dice nada”, hay tensión dramática en el diálogo y seguimos atentos los silencios y tanteos que se prodigan los protagonistas. Porque Isa tiene algo que ocultar y promete que va a cambiar y Bahar lo pone a prueba. Y el tipo pisa el palito. Ahí acechamos, a la vera del diálogo, cómo sale de la situación. Somos conscientes de que en ese lugar, en ese momento, se define el futuro de la pareja. Si Isa la convence a Bahar de que es otro hombre, de que tiene auténticos deseos de cambiar, la reconciliación está al caer. Si no...



Insistimos en la idea: una escena con un contrapunto dramático, mantiene nuestra atención, aunque estén los personajes sentados alrededor de una mesa en silencio. Funciona tanto en “Climas” como en “Kill Bill”. Para aprender al escribir un guión.

CONSEJO: dejar pasar.

camille claudel

En la recientemente finalizadaexposición “Rodín en Buenos Aires”, en el Museo Nacional de Arte Decorativo, se exhibieron obras de los discípulos de Auguste Rodín. Lugar destacado para Camille Claudel, estudiante y amante del escultor francés.

La historia de Camille Claudel tiene destino trágico. Desde niña mostró los signos de su talento artístico. Debió lidiar con la imposición de su familia que se negaba a que desarrollara su habilidad. Por negociación de su hermano Paul, el poeta, logró que sus padres aceptaran su ingreso en un taller de escultura, nada menos que del consagrado Auguste Rodin.



Genial y joven, rápidamente Rodin la sedujo, iniciando una relación tormentosa con pronóstico de destrucción. Rodin era un hombre casado con amante oficial (Rose Beuret). Ni a la esposa, ni a la amante las abandonaría, pese a las promesas en falso que le hiciera a Camille.

El triángulo que atormentaba a Camille está representado en una de sus obras más célebres, “La edad madura”, en la que se recrea la ruptura sentimental de la pareja. Camille, de rodillas, suplica a Rodin arrastrado por una figura femenina con cara de bruja, la amante del escultor.



No sólo Camille soportó las humillaciones por el constante desfilar de las amantes de Rodin, sino que su genio se vio eclipsado por el ego del artista que activamente rebajó el protagonismo que Camille tenía en varias de las obras que salían de su taller.

Tras una década, el romance llegó a su fin. En el último acto, Rodin convenció a Camille de abortar, prometiéndole que abandonaría a Rose, su amante. No fue así.

Luego de un breve romance con Claude Debussy (otro hombre comprometido), en diciembre de 1905, Camille se encierra en su taller, a esculpir cabezas de niños que luego destruía. Innumerables gatos rondan por el taller, donde los vecinos la oyen pegar alaridos, en las largas noches de su deterioro mental.



La familia de Camille pretendió encerrarla en un manicomio, pero Camille contó con la oposición de su padre. Al morir éste, ya nada detiene a la familia de Camille. Una semana después de la muerte del padre, los enfermeros echaron abajo la puerta del estudio de Camille, le pusieron una camisa de fuerza y la llevaron, a los empujones, a una institución psiquiátrica. Camille es internada en el manicomio de Montdevergues, cerca de París. Pese a las recurrentes súplicas de Camille a su hermano, pidiéndole la liberación, morirá en ese manicomio, 30 años después de su ingreso, en 1943, a los 79 años de edad. Nadie la visitó en esos años de reclusión: su familia prohibió todo tipo de visitas.

Tras la muerte de su hermano Paul, en 1953, los descendientes de la familia Claudel quisieron brindarle una tumba digna a la artista tan cruelmente tratada. Solicitaron el cuerpo a Montdevergues pero las autoridades de la institución confesaron que la tumba había desaparecido, al expandirse la clínica sobre los terrenos del pequeño cementerio donde yacían los pacientes olvidados por sus familiares.



De la exposición en el Museo de Arte Decorativo, nos llamó la atención dos obras de Camille Claudel.



Una es “La ola”, un grupo escultórico que me trajo reminiscencias al grabado “La gran ola de Kanagawa” del japonés Katsushika Hokusai. Efectivamente, no descubrí la pólvora, porque ese grabado fue visto por Camille en la Exposición Universal de 1889 y la inspiró para su obra.



Acá algunas fotos tomadas en la exposición:







Y el video:



La otra obra que se destacó es “El Vals”. Las guías de la exposición señalaban que Camille tuvo que poner ropajes a las dos figuras desnudas, para poder exponerla, porque se consideraba muy audaz.



Una de las claves es que la disposición de las figuras nos lleva, para verla adecuadamente, a girar alrededor de ellas. “El vals” es más del espectador que de la escultura.




Dos videos tenemos de esa obra. Uno es éste:



Y éste es el otro:



FUENTES:

Breve biografía en “Wikipedia”:
http://es.wikipedia.org/wiki/Camille_Claudel

Breve biografía y fotos de sus obras, en “El poder de la palabra”:
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=3363

Artículo en “El País” de España, con fotogalería:
http://www.elpais.com/articulo/cultura/demonios/Camille/Claudel/elpepucul/20071107elpepicul_1/Tes

Carta de Camille Claudel a su hermano, en el weblog “Esta no es mi vida”:
http://estanoesmivida.blogspot.com/2007/04/camille-claudel.html

Interesante sitio con la evolución de las obras de Claudel y su influencia en obras de Rodín:
http://www.cs.wustl.edu/~loui/camille.html

Fotos de sus obras:
http://www.bc.edu/bc_org/avp/cas/fnart/art/claudel.html

Una fotogalería de obras de Katsushika Hokusai:
http://www.adn.es/cultura/20080520/PGL-0003-hokusai-Katsushika-arte-japones-ola/ADNIMA20080520_3350_withSlide.html#photo_detail

Muy didáctico “pdf” del Museo Rodin:
http://www.musee-rodin.fr/images/feuille_de_salle/salle6_es.pdf


Además, hay que agregar la película “Camille Claudel”, protagonizada por Isabelle Adjani y Gerard Depardieu, del año 1988. Ficha de la película en IMDB:
http://www.imdb.com/title/tt0094828/

retacitos de vida

LA COMEDIA DE LA VIDA

Retacitos de vida. Eso es lo que hizo el sueco Roy Andersson en su surrealista película “La comedia de la vida”. Junto una serie de sketchs, escenitas chiquitas, por momentos humorísticas, con personajes muy ridículos que se repiten de un gag a otro. El humor absurdo, más o menos afortunado, nos produce una extraña sensación. En algún momento reímos, en otros echamos una carcajada. La película parece una locura, un experimento estilo “Cha Cha Cha”, un humor sólo para una parte del público. Frases alocados que se repiten; personajes improbables atrapados en ceremonias descabelladas, angustiados por obsesiones pueriles. Imposibilidades, deseos frustrados, limitaciones propias y torpezas ajenas.



Aparentemente, Andersson no cuenta nada. Su película parece un collage experimental, afortunado por momentos, pero desvertebrado. Entonces, cuando creemos haberle tomado la mano a la historia, ésta empieza a mostrar otros perfiles, como si sus rasgos aparecieran por un lento pero constante proceso de eficaz sedimentación. Detrás de ese puñado de personajes que corren sin saber hacia adónde, asoma una metáfora de aquellos que vivimos. En las tonadas machaconas, en los sueños mal contados, en las pequeñas empresas cotidianas, se eleva una dulce poesía tristona. Sin saber cómo, llega el momento que esos esfuerzos cotidianos nos provocan una profunda compasión, un sentimiento mutuo de tristeza injusta, por el esfuerzo con que esos personajes se empeñan en olvidar que la muerte está ahí nomás, al acecho, para desbaratar con su barbarie aleatoria, toda pretensión.



Los bombarderos de la escena final, volando en formación, acechando desde las alturas a la ciudad, es la imagen final de esta tesis, la prueba de que el director sueco quiso contar algo más y que hay una historia detrás de esta sucesión de chistes lisérgicos.

“La comedia de la vida” es una de las rarezas de la pantalla actual que el cinéfilo entrenado no debe dejar pasar. Es de esas clases de películas que buscan a su espectador. Casi que no puede recomendarse, porque su sintaxis no es apta para todo público. Pero es una película digna de mirarse y de analizar.



Escenas destacadas: el banquete de la Logía en la que los comensales cantan mientras suben y bajan de sus sillas; el “casamiento” de la chica y el guitarrista; la escena de los bombardeos del final; la mujer que llora que nadie la quiere; la mujer que reza pidiendo perdón para todo y todos.

Frases:

¡Nadie me entiende!

¡Bien todo mundo! ¡Los últimos pedidos ahora! ¡Las últimas ordenes! Mañana será otro día. La última oportunidad de emborracharse.

Creo que tocas muy bien.

Trata de relajarte, Benny. Benny, trata de relajarte.



La silla eléctrica es un invento terrible. ¿Cómo se le ocurrió a alguien tal cosa? Es terrible.

-Una vez tuviste que caminar desde Carlsbad hasta Oslo. ¿Puedes contarnos de eso, ma? Y que tu hermano Benjamín, que murió cuando era joven. Te gustaba mucho él, mamá. Tu pequeño hermano Benjamín.
-¿Quién es ése?

¿Cuál sería tu precio si te dijera: “sin recibo”? Lo se, lo sé. La calidad no es barata. "Sin dinero, no hay tornados" como los antiguos griegos decían.



La gente exige mucho. Esa es la conclusión a la que he llegado luego de muchos años. Ellos exigen ser felices, al mismo tiempo que son egocéntricos, egoístas y nada generosos.

Pasando hora tras hora en terapia, tratando de hacer a una persona mala, feliz. No tiene sentido. No se puede hacer. Dejé de hacerlo. En estos días sólo prescribo pastillas. Mientras más fuertes mejores. Es como es.



Si puedo hablar ligeramente, la Junta ha expresado su sería preocupación con la actual situación. No puedo levantar mi brazo. No puedo levantar mi brazo. No puedo…

¡Señor, por favor, Señor! ¡Perdónalos!

Tocas tan bien, Mike. Muy bien. Y eres un fantástico cantante.

CONSEJO: esperar al DVD, pero agendarla. Público pochoclero, abstenerse.

panfleto inglés

En el weblog del Partido Pirata (http://partido-pirata.blogspot.com) está la traducción del panfleto inglés “Dollars of Buenos Ayres” que circuló en Londres tras las fallidas (para ellos) “Invasiones Inglesas”. Transcribimos la traducción a cargo de Julio Argentino:

Soy un alegre muchacho marinero
Que nació sobre el propio Océano
Neptuno fue mi padre primero
Y de nada tengo la menor noción.

El maestre me amamantó con ron,
Me enseñó mañas de gamberro

Así que fui pensado un apropiado perro
Para ir hasta Buenos Aires tomar.

Ahora bebamos nomás con buen hurrar
Por Buenos Aires que nos dio su mejor do - lár

Sir James Stuart y Sir Home
Nuestros atrevidos comandantes,

Yunta brava como ésta nunca hubo
Entre nuestras costas y las de Flandes.
Echaron anclas frente al pueblo
Y acecharon con tentación.
Supongamos que por diversión
Nos volteamos a Buenos Aires.

Ahora bebamos nomás con buen hurrar
Por Buenos Aires que nos dio su mejor dolár

“¿Por qué han venido ustedes?”, a los Españoles oímos gritar
Nosotros contestamos: “Para a ustedes ¡Tomar!”
Los Don nos respondieron: “¡No nos rendiremos!”
Nosotros dijimos; “¡Porque así se la haremos!”
Entonces bajó hasta el último soldado
Todos frescos y con armas de buen hado.
Como uno arremetimos, ya con ánimo bien gritado
Atacando a Buenos Aires a pleno ulular.

Ahora bebamos nomás con buen hurrar
Por Buenos Aires que nos dio su mejor do - lár

Ya en el pueblo, buen adentro,
Seguirá lo que les cuento
Del atropello, los Españoles tumbaron en el solar
Y así les sacamos hasta el ultimo do-lár
Contaron a Boni Parte el duro experimento
De todos nuestros hechos atrevidos

Pero les dijimos, “Boni debe estar maldecido”
Buenos Aires dominamos y ellos han perdido.

Ahora beba y cante la buena grey, por Jorge, nuestro rey
Y bebamos por Buenos Aires que nos dio su buen do – lár.

En la nota hay un interesante comentario, con un juego de palabras en inglés que seguramente provocó las carcajadas en las tabernas británicos. Hay un verso que dice "We took away their bollars;". en la que el autor juega con la parecida pronunciación de "dollar" y “bollars”. “Bollars” es lo que llamamos, en castellano, “Bita”, los postes de madera o hierro que se aseguraban fuertemente a la cubierta, cercanos a la proa, para dar vuelta los cables del ancla cuando se fondean las naves (http://buscon.rae.es/draeI/SrvltConsulta?TIPO_BUS=3&LEMA=bita). Por su forma redondeada, en la jerga marinera era un sinónimo de “pelotas” y la expresión jugaba con el doble sentido de "les arrancamos las bolas" y "les sacamos los dólares".

Como bien señala el post, lo paradójico es que mientras los marineros británicos brindaban por la toma de Buenos Aires, la ciudad ya había sido recuperada por sus habitantes y los oficiales ingleses se hallaban prisioneros de sus derrotados.

http://partido-pirata.blogspot.com/2008/09/traduccin-del-panfleto-dollars-of.html

Esta nota puede consultarse en: http://invasionesinglesas.blogspot.com)