con Cameron Diaz

EL DESCANSO

Nancy Meyers fue la directora de “Lo que ellas quieren”, esa película con Mel Gibson, un machista recalcitrante que, rayo mediante, adquiere la capacidad de “escuchar” lo que las mujeres a su alrededor piensan. Si esa comedia funcionaba (no al 100%) era porque atrás había un muy buen libro. Bueno, “El descanso” no es el caso. Después de ese bodriazo que fue “Alguien tiene que ceder”, Nancy Meyers nos ataca con otra comedia fallida. Es la típica película vendida con una frase – concepto (dos chicas con problemas sentimentales, una en Surrey y otra en Los Angeles, truecan de hogares por dos semanas, encontrando al amor de su vida) y un casting (Jude Law – ¡Cameron Diaz!; Kate Winslet – Jack Black). Una vez que los productores pusieron el dinero, “armamos” el guión a medida, un poquito de esto, otro poquito de más allá, llamamos a algún veterano famoso (Eli Wallach) y le inventamos un rol y listo, tiramos para adelante, la estrenamos con una buena campaña publicitaria y recuperamos la inversión con un margen razonable.

Eso es “El descanso”. Un producto hecho a las apuradas y un desperdicio de actores (¿Les dije que está Cameron Diaz, no?). Lo peor, que parte de una muy buena idea, que podría haber dado más, mucho más de lo que da. El libro es tan malo, tan desestructurado que, en gran parte del filme, Cameron Diaz y Kate Winslet pasan letra, sin saber muy bien cómo seguir adelante.

La peor parte la lleva Kate Winslet porque el guión de Nancy Meyers le cuesta encontrarle un personaje que interactúe con ella en Los Angeles. Por un momento parece ser el personaje de Arthur; por otro, Miles. Pero cuando se encamina en una dirección, la directora pasa a la otra historia y la deja colgada. Y cuando se ve obligada a volver a Winslet, trae un personaje del otro lado del océano, en un perfecto deus ex machina.



La trama mejora cuando Cameron Diaz está en pantalla (¿no vieron como me mira, perdón, lo mira a Graham en la escena del auto?) por la química que logra con Jude Law. Es la mejor historia (casi es la única historia verdadera, porque la otra es un garabato en una servilleta de papel). En los primeros minutos está lo más flojo de Cameron Diaz (en términos relativos, claro, quien puede sostener seriamente algo flojo en la blonda actriz de sonrisa seductora y mirada insinuante como diciéndome “sí, sí, este parlamento es para vos que estás sentado en la butaca e inclinás la cabeza para el mismo lado que se te filtra la baba”) porque debe hablar en voz alta a las paredes del coqueto hogar de Surrey. Cuando aparece Jude Law (¡cómo ha progresado este pibe en las últimas películas! Hasta me resulta simpático. Y eso que le come la boca a Cameron Diaz, ¡Mocoso impertinente saque la mano de esa rubia que yo la vi primero!) la comedia empieza a armarse y hasta logra algunos buenos cruces. No se sostiene por las falencias del guión, pero hay chispa entre ellos (Cameron Diaz y el otro chico, ése, el rubiecito desabrido) que no se puede obviar. Para futuros productores: ¡sigan a esa pareja!



Bueno, seguir analizando esta comedia renga es una pérdida de tiempo. Sólo cabe señalar la presencia de Cameron Diaz (se la ve muy triste, gracias a Dios, tras romper con Justin; buen momento para seguir el ejemplo de su personaje, buscar un destino en Google e irse de vacaciones, no sé, a algún lugar remoto de Sudamérica, como quien dice Buenos Aires, que sé yo, en una de esas, quien te dice, te topás con un buen partido, un economista soltero y no sé… podría ser… pensalo rubia… tu futuro puede estar en el subdesarrollo).

Las mejores frases, mañana. (No todas son de Cameron Diaz, tuvimos que matizar un poco, sino alguno de esos que nunca falta me iba a acusar de una presunta parcialidad con la Rubia Superlativa).

CONSEJO: esperar al video, sin el menor apuro. Ahora, claro… está Cameron…

guillermo mordillo

Fragmentos de la entrevista que la Comisión de Prensa de la UDGBA le realizó al gran dibujante argentino Guillermo Mordillo. La entrevista completa en el sitio de la UDGBA (http://www.udgba.com.ar/institucional/newsletter/) donde pueden suscribirse a las newsletters mensuales de la Unión.



Cuando yo me fui en el año 55 estaba Patoruzito, Patoruzú, Rico Tipo, los colegas tenían donde publicar. Ahora los colegas ¿Dónde publican: En Clarín, en La Nación, en el dominical? y no hay muchas.

(…)

En aquel tiempo (en el país) era gente bastante improvisada que hacía la tarea de diagramar, no había una carrera. Muchos antiguos dibujantes humorísticos fueron arquitectos. Profesionales que han dejado la arquitectura por el dibujo. Yo mismo empecé muy joven, no tengo estudios gráficos. Mi escuela eran los demás. Lo que hago yo es dibujo humorístico, nunca hice otro tipo de dibujo, yo soy Dibujante Humorístico. Y eso no se aprende en ningún lado. Ahora hay escuelas, la escuela Garaycochea, la escuela Panamericana de Arte (que ya cerró) y no sé si hay otras, pero todos nos hacemos viendo el trabajo de los demás.
Yo me acuerdo cuanto tenía 12 años, había terminado la escuela primaria, y me dije a mí mismo "no copio más", y tardé 25 años en tener un estilo propio, dibujando todos los días. Soy muy lento yo.

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Yo tenia 34 años cuando empiezo a hacer esto y lo hice sin palabras porque estaba viviendo en un país donde yo no hablaba bien el idioma entonces no me animé a ponerle texto a mis chistes. Lo hice sin palabras y me salió bien. Si no fuera por eso, no estaríamos hablando ahora.

Me expreso mejor con los dibujos. Yo digo cosas con los dibujos que no puedo decir hablando. Lo mío es muy atípico.

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Mi historia con el dibujo animado se inició a los 5 años, mi mamá me lleva al cine y veo Blancanieves y los 7 enanos y ahí me enamoré del dibujo animado, fue mi primer amor. Yo cuando vi eso a los 5 años, el color, el movimiento, era dibujo que vivía, me impactó. Si vieran los dibujos míos son todos "dibujos animados fijos", el color, el movimiento, los personajes, todo eso se puede hacer en animación. Algunos de los dibujos que ven aquí fueron hechos también en dibujo animado. Los últimos están hechos en China, en 3D. Los primeros fueron en Alemania hace 30 años que se pasaron en la televisión argentina. Después se hicieron algunos en Francia, en tercera dimensión también.

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La animación digital es una herramienta maravillosa. Se va a poder hacer cosas increíbles, ya se están haciendo. Se puede hacer todo, es otro mundo. Yo no creo que pueda vivir lo suficiente para ver todo lo que se va a poder hacer. Ya lo que se hace es extraordinario...

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Porque cuando yo vi mi primera jirafa (que dibuje varias) en tercera dimensión yo me sentí como Gepetto cuando lo vio a Pinocho transformado en niño. Porque yo con mis dibujos trato de darles volumen y cuando los vi realizados en computadora estaba viendo un sueño, es una cosa extraordinaria.

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Muchos colegas me preguntan cómo hago para dejar el personaje en blanco en medio de tanto color. Porque con el pincel es muy difícil, yo hago unos degradé de colores y se preguntan cómo hago con el personaje. Hay una goma líquida que se aplica con un pincel, yo cubro las partes que quiero que queden reservadas, la goma líquida se seca y yo paso el color por arriba. Cuando termino, se seca el color y la goma la saco simplemente con un dedo, quedando en blanco lo que yo quería. Hasta Oski me preguntó, el gran maestro, cómo era que lo hacía.
Trabajo con anilinas, tintas de color, pastel, lápices de color. Ahora quiero probar con acrílico, muchos colegas trabajan con acrílico y me gusta el efecto.

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Mis trabajos no son para ser expuestos, son para ser publicados. Los pigmentos que uso no son resistentes a la luz y los originales los conservo a la sombra.
Mi personaje es muy Buster Keaton. Mi personaje no habla, es prácticamente inexpresivo, e incluso Keaton tenía una cláusula en el contrato que decía que no tenía que sonreír nunca. Mis personajes no tienen boca, no tienen cejas, no tienen orejas, no hablan. La impasividad en una situación humorística refuerza la escena humorística. Y en el color (en su influencia) está Disney, su estilo...

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Sí, digamos que el hilo conductor de todas mis obras es la soledad, que es ancestral, actual y futura. A mi nadie me ve dibujar. Yo dibujo en la más absoluta soledad. Es demasiado tiempo solo pero necesito estar así para inspirarme. En todos los seres humanos, uno puede estar en medio de una multitud y estar solo, tener un montón de familiares y estar solo. Todos estamos solos, alrededor nuestros no hay hilos que nos aten, ni los lazos matrimoniales, estamos todos en una isla. Durante mucho tiempo hice islas, ya no las hago. Casi todos los dibujantes humorísticos eligen las islas porque sobre ellas los chistes son más fáciles. Si un teléfono suena aquí no es chiste, pero si suena en una isla sí. Cualquier cosa es chiste en una isla. La isla da muchas ideas. Y ahora he cambiado las islas por los planetas, que en realidad son islas grandes, redondas que están en el universo.

(…)

Yo fui uno de los primeros dibujantes que no entregaba los originales a los editores. Porque al principio llevaba mis originales y a veces me los perdían, me los robaban, me los manchaban, y decidí no darlos más y empecé a fotografiarlos. Un fotógrafo me hacía los hectacromos y aun lo sigo haciendo, también los entrego en CD-Rom aunque no me acostumbro mucho. Llevo hechos más de 1600 dibujos y todo eso va listado, fechado, bien guardado, fotografiado, es toda la parte de administración y es muy difícil. Y esto solamente es lo publicado y que está en color. Luego tengo representantes en Alemania y Holanda que se encargan de distribuirlos por el mundo. Con mis dibujos se hacen muchas cosas: ropa, juguetes, rompecabezas, libros... De eso no me ocupo yo, si no, no podría crear los nuevos dibujos.

(…)


Por que eso, cuando uno es dibujante o grafista, la ventana de adelante del colectivo es una perdición ¡pero sabés como! En directo, en vivo, en colores, en tercera dimensión, con ruido y olores! (risas) Y eso la gente no lo ve. El dibujante mira con otros ojos. Y a la vuelta de nuevo, ir avanzando en la calle, los adoquines, la gente alrededor, las casas que hay algunas que parecen que fuesen de Suiza con un parque alrededor y al lado villa miseria, un ranchito, ese contraste que ustedes están tan acostumbrados que no lo ven. Yo como vivo en Europa hace 43 años, lo que yo veo aquí es alucinante, y la ventana de adelante de un colectivo es una maravilla. Y todo eso lo fotografío. ¡Los graffitis! ¡Es una maravilla! Yo me tomé el tren de aquí de Malaver a Retiro y los graffitis, son maravillosos y la gente no ve nada. Yo no puedo sacar los ojos de la ventanilla. En ese recorrido, graffitis todo el tiempo. Después pasas de un campo de golf a la Av. Gral. Paz, más adelante unos ranchitos miserables que uno dice '¿aquí vive gente?' Es horrible, realmente inhumano, y llegás al campo de polo. Y después del campo de polo al hipódromo y después, otra vez villa miseria y la cancha de tenis. Y yo no me acostumbro. Quisiera capturar todo eso en fotos, ¿cómo voy a contar esto yo en Europa? Es imposible. ¿Ustedes son sensibles a esto? Porque a mí me afecta, se me encoge el corazón, me angustia.

(…)

Yo propongo una idea, una idea humorística. Que todos los gobernadores electos en lugar de irse a vivir a Olivos o a sus residencias particulares todas lujosas con choferes y coches, que se instalen en una villa miseria para tener un panorama distinto del país. Pero es una idea humorística, no la van a aceptar nunca.

(…)




Este país desde fines del siglo XIX, siglo XX y lo que va del XXI ha producido una cantidad de autores de humor gráfico e historietas espectacular. Yo estuve 5 años en Perú y conocí un solo autor de historietas, y si vamos a otros países de Latinoamérica más o menos, Uruguay un poco más, Chile... y algunos otros. Argentina es excepcional en este sentido: cantidad de autores y todo ese material se está perdiendo porque no hay un museo.

En este tiempo ya he visto 2 ministros de cultura, me entrevisté con el secretario de cultura de la ciudad de Buenos Aires lo fuimos a ver con Fontanarrosa y hace unos días estuvimos con el vicepresidente con Garaycochea, García Ferrer, Sendra y yo. Fontanarrosa se comunicó por teléfono con él. Todos nos dicen ¡hay que hacerlo, es una gran idea!, ¿Y...?. Yo tengo originales de Salinas, de Oski, yo no hablo de mis originales yo hablo de los de otros y que el público no lo ve. ¿Dónde los voy a poner para que los vea el público si no es un museo? ¡Colegas que tienen sus originales empaquetados en galpones! En dos generaciones no existimos más. Eso se pierde. En el museo habría sala de exposiciones, sala de conferencias, sala de proyecciones, que esté lo permanente y lo nuevo. Algo que daría vida al contacto entre el público y la profesión. Además los archivos, porque no todo se puede poner en las paredes. Este país es increíble lo que ha producido.

Comisión prensa UDGBA y la colaboración de Paula Fernández
“Humor gráfico: Entrevista a Mordillo”
FUENTE: http://www.udgba.com.ar

yegua de la noche

El nombre español no es demasiado venturoso: el diminutivo parece quitarle fuerza. En otras lenguas los nombres son más fuertes. En griego la palabra es efialtes: Efialtes es el demonio que inspira la pesadilla. En latín tenemos incubus. El íncubo es el demonio que oprime al durmiente y le inspira la pesadilla. En alemán tenemos una palabra muy curiosa: Alp, que vendría a significar el elfo y la opresión del elfo, la misma idea de un demonio que inspira la pesadilla.

(…)

Llegamos ahora a la palabra más sabia y ambigua, el nombre inglés de la pesadilla: the nightmare, que significa para nosotros “la yegua de la noche”. Shakespeare la entendió así. Hay un verso suyo que dice, I met the night mare, “me encontré con la yegua de la noche”. Se ve que la concibe como una yegua. Hay otro poema que ya dice deliberadamente the nightmare and her nine foals, “la pesadilla y sus nueve potrillos”, donde la ve como una yegua también.

Pero según los etimólogos la raíz es distinta. La raíz sería niht mare o niht maere, el demonio de la noche. El doctor Johnson, en su famoso diccionario, dice que esto corresponde a mitología nórdica –a la mitología sajona, diríamos nosotros-, que ve a la pesadilla como producida por un demonio; lo cual haría juego, o sería una traducción, quizá, del efialtes griego o del incubus latino.

Hay otra interpretación que puede servirnos y que haría que esa palabra inglesa nightmare estuviese relacionada con Märchen, en alemán. Märchen quiere decir fábula, cuento de hadas, ficción; luego, nightmare sería la ficción de la noche. Ahora bien, el hecho de concebir nightmare como la “yegua de la noche” (hay algo de terrible en lo de “yegua de la noche”), fue como un don para Víctor Hugo. Hugo dominaba el inglés y escribió un libro demasiado olvidado sobre Shakespeare. En uno de su poemas, que está en Les contemplations, creo, habla de le chaval noir de la nuit, “el caballo negro de la noche”, la pesadilla. Sin duda estaba pensando en la palabra inglesa nightmare.

Ya que hemos visto esta diversas etimologías, tenemos en francés la palabra cauchemar, vinculada, sin duda, con la nightmare del inglés. En todas ellas hay una idea (voy a volver sobre ellas) de origen demoníaco, la idea de un demonio que causa la pesadilla. Creo que no se trata simplemente de una superstición: creo que puede haber –y estoy hablando con toda ingenuidad y toda sinceridad-, algo verdadero en este concepto.

JORGE LUIS BORGES
“La pesadilla”
“Siete noches” (1980)

una historia global

BABEL

Si Alejandro González Iñárritu se hubiera escondido tras la cámara, dejando que la historia fluyera naturalmente, “Babel” hubiera ganado peso específico. Durante las largas dos horas y media que dura el filme, se adivina la presencia de su director: aquel plano “artístico”, esa mirada de un personaje suspendido un segundo más de lo necesario, cierta morosidad en el tratamiento cotidiano de la realidad. En comparación a “21 gramos” y a “Amores perros”, “Babel” está, en términos dramáticos, un escalón debajo. Un ajuste en el guión, mayor intensidad dramática en los diálogos y un poco más de síntesis, le hubieran dado fulgor a esta interesante historia global. No deja de ser buena, pero le falta dimensión épica.

“Babel” es una película a tres bandas: un chico marroquí, “jugando” con un rifle, le pega un tiro a una turista que viaja en un micro. Ese tiro, como la mítica mariposa de la teoría del caos, tiene repercusiones en todo el globo. Lo tiene en Los Ángeles, en la casa de la turista, en los niños criados por una doméstica mexicana que no sabe con quién dejarlos, para poder viajar a la boda de su propio hijo. Lo tiene en la aldea marroquí, donde los niños responsables del disparo, esconden su “travesura”. Lo tiene en Tokio, en el hombre que puso el rifle en manos de un guía en el desierto.



El tema de “Babel” es el bloqueo en la comunicación. Los conflictos se agravan porque cada uno (no importa en que punto del globo esté) no escucha lo que el otro está diciendo. La falla está no está en el discurso sino en la recepción, viciada por el prejuicio (social, racial, cultural). A fuerza de darse la cabeza contra la pared, a veces, se abre una grieta, y el muro se derrumba. Allí, entonces, los personajes pueden ser entendidos y el conflicto (que creció a niveles insoportables) se desinfla.

Eso es “Babel”. La incomunicación. La incomunicación en una era de medios de comunicación que desinforman y refuerzan el estereotipo. Cuando las escenas se suceden, vemos que, más allá de las diferencias, sea en el primer mundo norteamericano, en el subdesarrollo africano, en el tecnificado Japón, los seres que deambulan por la superficie del planeta tienen las mismas necesidades, los mismos temores: aman, sufren, ríen, festejan, asimilan el duelo.



Entre los aciertos del guión de Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu cabe señalar la yuxtaposición, sutil, de costumbres similares, en distintos puntos del planeta. La chica japonesa que se empastilla con sus amigos en la disco, no es muy distinta a los mexicanos que se maman en la boda. La imagen de una droga como lubricante social se logra con la sucesión de dos planos. El miedo de los turistas blancos y obesos ante la mirada de los morochos aldeanos marroquíes, no es muy distinto al miedo que Chieko, sordomuda, demuestra cuando enfrenta a los adolescentes con capacidad auditiva normal. El collage enfatiza el discurso, sin necesidad de agregar un parlamento al respecto.

Justamente, las falencias de “Babel” se encuentran cuando González Iñárritu no confía en la capacidad del espectador para decodificar ese collage. Ahí cae en el plano estático o el pañuelo que ondea al viento, como para decir “acá hay un artista”. “Babel” se ganaba desde la historia, desde el diálogo, no desde la imagen. Ese fue el pecado de su director. No obstante, no hay que dejar caer en saco roto esos apuntes notables, desde el otro lado del Primer Mundo.



Para el novel aprendiz de guionista, vale destacar la capacidad que ha mostrado González Iñárritu para alterar la flecha del tiempo, en sus tramas, con notables logros dramáticos. Tanto en “Amores perros” como en “21 gramos” utilizó el mismo recurso, con igual eficacia. En “Babel”, la alteración de la estructura temporal, aunque menos drástica, tiene un fin: poder contarnos las tres historias en paralelo, reforzando las coincidencias temáticas de cada una, aunque las tramas tengan una evolución cronológica secuencial.

Noten el ordenamiento: la compra del rifle – el disparo – la asistencia a la turista – la ida a México – la pérdida en el desierto – la investigación en Japón. Desplegada de esa manera, la trama perdía fuerza. Partida en su estructura temporal, se refuerza dramáticamente. No es para dejar pasar, González Iñárritu muestra un gran dominio en la utilización de este recurso. Para prestarle mucha pero mucha atención.

En términos actorales, “Babel” se ve desorientada por estos tics del director. Por eso, tal vez, no haya actuaciones descomunales, con la excepción de Rindo Kikuchi, en su papel de la chica sordomuda que ha perdido a su madre. Su actuación se destaca claramente del resto. (Babita para el look colegiala adolescente). Un apunte: ¿no la ven conocida a la nenita rubia, la estadounidense que deambula con su niñera por México? ¿A quién se parece? Sí, efectivamente. Es Elle Fanning, la hermana de Dakota.

Escenas: la escena del tiro; la mirada de los turistas occidentales en la aldea marroquí; la mujer marroquí que le da el cigarro a la turista herida; la escena del beso entre Brad Pitt y Cate Blanchett, mientras ella orina en un sartén; la escena de la detención en el control fronterizo; la cara del niño norteamericano cuando ve como degüellan a una gallina delante suyo; la escena del abrazo de Chieko, desnuda, a su padre, en el balcón de una torre en Tokio; el intento de Brad Pitt, antes de subir al helicóptero, de pagarle al guía marroquí, que éste desestima y el abrazo posterior.



Frases:

Te apuesto a que la bala no llega tan lejos.

¿Qué me das si le acierto a ese coche?

¿Qué sucede? Nos vieron como si fuéramos monstruos.

Ahora van a conocer al verdadero monstruo peludo.

-Aparentemente unos terroristas mataron a un turista americano.
-¿Un americano?
-Si, los terroristas atacaron un camión turístico en la carretera.
-No, no hay terroristas aquí.
-Nunca se sabe.


-¿Que clase de doctor es?
-Es veterinario. Pero es bueno.

No caminen entre las tumbas.

Hoy, cerca de Tazarine, hubo un incidente. Le dispararon a una americana. Las autoridades dicen que pudo haber sido un robo. Pero el gobierno americano rápidamente sugirió un enlace terrorista.

-¿Es tu hija?
-Si. La tercera de cinco. ¿Tienes hijos?
-Si. (MOSTRÁNDOLE UNA FOTO EN LA BILLETERA)
-¿Solo dos? DeberÍas tener mas.

-Como que mi embajada se encarga? Este es tu país de mierda, es tu responsabilidad. Haz algo, ¡haz algo!
-Los americanos detuvieron la ambulancia. Quieren enviar un helicóptero, pero hay problemas.

-¿Que esta pasando? ¿Por que nos escondemos si no hemos hecho nada malo?
-Porque ellos piensan que hicimos algo malo, querido.
-Eso no es verdad. Eres mala.
-No, yo no soy mala. Tan solo hice algo estúpido.

¿Sabe cuantos niños mueren cada año tratando de cruzar la frontera?

CONSEJO: se puede esperar al video.

defensoría del pueblo

Seguimos con nuestra campaña para lograr un Ombudsman o Defensor del Usuario de la Salud que motorizamos en el weblog “Sobreviviendo al CEMIC”. No hemos recibido ninguna reacción de la prensa, ni gráfica ni audiovisual. Pasamos a la obligada recorrida por los organismos de defensa del consumidor. Tuvimos un interesante intercambio epistolar con la gente de la Defensoría del Pueblo de la Ciudad de Buenos Aires que nos atendió muy amablemente y con paciencia. Lamentablemente no vimos satisfechos nuestros reclamos (cosa que anticipábamos desde un principio) pero hay que destacar la predisposición para responder a nuestros varios correos sobre el tema.

Vamos a hacer una pequeña síntesis de la correspondencia que mantuvimos con la Dra. Alejandra Bello:

a) El conflicto central que tengo con el CEMIC (el diferimiento en un diagnóstico por un informe mal hecho o mal interpretado) no es competencia de la Defensoría, sino es un tema judicial.

b) La Defensoría coincide en el derecho que tengo, como cliente de una prepaga, de obtener información sobre los procedimientos internos de control de calidad de CEMIC. Pero la Defensoría me informa que ha visto limitada su competencia para representar a los usuarios de un servicio público de carácter nacional, debido a un fallo adverso de la Corte Suprema, y que existe un dictamen de la Procuración del Tesoro de la Nación que acota su jurisdicción.

c) La Defensoría ha presentado, en el año finalizado recientemente, un proyecto de reglamentación y control de las prepagas ante la Superintendencia de Servicios de la Salud y tiene en su agenda de este año, el seguimiento de dicho proyecto.

En suma, la Defensoría no puede hacer nada para sentar a las autoridades del CEMIC, frente a mí, y responderme porqué motivo un médico de la institución afirmó, tras leer el informe de una tomografía computada, que “estaba todo bien” en una paciente que dos semanas después fue diagnosticada con un cáncer.

Nos quedan dos instancias más de apelación: el Defensor del Pueblo de la Nación y la Subsecretaría de Defensa del Consumidor.

En próximos días, remitiremos una consulta tipo que subiremos a este weblog, para ver si ambos entes tienen competencia sobre el tema.

martes, 14.01.1807 – intimación a Montevideo

Auchmuty y las tropas inglesas fondean, al atardecer, en la isla de Flores, en las cercanías de Montevideo. Por la mañana, Stirling y Auchmuty habían enviado a una nave menor, con bandera de parlamento, intimando a la ciudad a la rendición. “Señor: Teniendo bajo mis órdenes fuerzas suficientes, pertenecientes a S.M.B., y habiendo recibido instrucciones para atacar el territorio español en el Río de la Plata, quiero tener el honor de intimarle a V.E. la rendición de la fortaleza de San Felipe (Montevideo) y sus dependencias, con el grande deseo de salvar la efusión de sangre y evitar a los inocentes habitantes las miserias que atrae una pertinaz defensa”.

La intimación fue rechazada por Sobremonte quien lo consideró “un insulto a nuestro honor y a la lealtad que profesamos a nuestro amado soberano el rey de España, de que nos gloriamos; así pues por tan dignos objetos todos sus vasallos miran la efusión de su sangre, y la entrega de su aliento, como el más gustoso sacrificio, antes de desmentirla en un ápice”.

(Éste y otros posts sobre las invasiones inglesas pueden consultarse en: http://invasionesinglesas.blogspot.com)

el hotel de Hilbert

Hilbert continuó trabajando y elaboró un ejemplo de infinito, conocido como el hotel de Hilbert, que ilustra con claridad sus extrañas cualidades. Este hipotético hotel goza del atractivo atributo de poseer un número infinito de habitaciones. Un día llega a el un cliente nuevo y se decepciona al saber que, a pesar de extenderse hasta el infinito, todas las habitaciones del hotel están ocupadas. Hilbert, el recepcionista, medita por unos momentos y tranquiliza al recién llegado asegurándole que encontrará una habitación libre. Pide a todos los clientes ya instalados que se muden a la habitación que sigue a la que ocupan ahora, de manera que el de la habitación número uno se muda a la dos, el de la dos pasa a la tres, etc. Todos los que ya estaban en el hotel siguen teniendo una habitación, y eso permite que el último en llegar duerma en la habitación número uno, ahora vacante. Esto demuestra que infinito más uno es igual a infinito.

La noche siguiente, Hilbert tiene que enfrentarse a un problema mucho mayor. El hotel continúa al completo cuando llega un ómnibus infinitamente largo con un número infinito de nuevos clientes. Hilbert permanece imperturbable y se frota las manos pensando en la cantidad infinita de facturas de hotel que podrá cobrar. Pide a sus clientes ya instalados que se muden de nuevo, pero esta vez a la habitación cuyo número sea el doble del que tiene la que ahora ocupan. Así que el de la habitación número uno pasa a la dos, el de la dos pasa a la cuatro, y así sucesivamente. Todos los que estaban en el hotel siguen teniendo habitación y ahora un número infinito de habitaciones, todas las impares, han quedado vacantes para los recién llegados.

SINGH SIMON
“El enigma de Fermat”

el laberinto del guión

EL LABERINTO DEL FAUNO

Reconozco que no tengo la pasión que la crítica nacional tiene con las películas de Guillermo del Toro. Es admirable su capacidad para plasmar imágenes bizarras, sádicas, al borde de lo escatológico, monstruos de lo cotidiano al estilo Cronenberg. Pero esas gemas, aunque sean gemas, me siguen pareciendo demasiado dispersas en función de la historia a contar.

“El laberinto del fauno” no escapa a esa condición. Imágenes de un delirio visual exquisito (como ejemplo, ver la visita al monstruo come niños de la segunda prueba) con escenas muy precarias, desde el guión y desde la actuación.

“El laberinto del fauno” es un supuesto cuento de hadas o la fuga hacia la fantasía de una niña, para escapar de un mundo cruel y perverso. Estamos en 1944, en España, y los últimos restos del Ejército Republicano se esconde en bosques y montañas, manteniendo una desesperada guerra de guerrillas, tan inútil como heroica. A ese pueblo, llega Ofelia con su mamá, Carmen, embarazada del cruel Capitán Vidal, el jefe franquista que mantiene un régimen de terror en el lugar. A medida que empeora la salud de Carmen, Ofelia se comunica con un ser sobrenatural, un fauno que le comunica que es una princesa perdida que tendrá que cumplir tres pruebas vitales para volver al reino donde la espera su padre. Cada prueba conlleva un riesgo, en algún caso mortal.



La estructura de cuentos de hadas puede servir como alegoría del fascismo y de la lucha de los que se oponen a ella. Pero es demasiado elemental el sistema de correspondencia de la alegoría y pobre, en términos dramáticos, las pruebas que sobrelleva Ofelia. No se ve un crecimiento del personaje, ni una interrelación con el resto de los personajes del mundo “real”.

En detrimento, el guión de Guillermo del Toro reniega de los grises. Todos los personajes o son demasiado buenos o demasiado malos. El ejemplo del capitán Vidal es paradigmático. Los protagonistas terminan rozando la caricatura. En el detallado despliegue visual, del Toro se pierde de desarrollar la relación de sus criaturas. Es muy básico el grado de interacción entre Ofelia y el capitán Vidal. Y esa relación debía ser, sin dudas, clave. Las pruebas de la niña debían corresponderse con el crecimiento en la relación con el cruel militar. De alguna manera, el todopoderoso Vidal debe ir cediendo poder a la verdad y pureza de la aparentemente débil Ofelia. El fascismo puede imponerse a veces, sobre la justicia y la libertad. Pero su reino tiene un plazo fijo, más tarde o más temprano, debe acabar.



“El laberinto del fauno” tiene un agravante: el bajo nivel actoral. La impostación es un lugar común. Y sorprende teniendo actores como Sergi López o Ariadna Gil que han dado muestras de capacidad, en otras producciones. Las limitaciones de sus personajes, puede obrar en contra. Y el mayor error del casting está en Ofelia (Ivana Baquero) que, en ningún momento, muestra la química necesaria para esta historia.

El rubro destacado es la fotografía de Guillermo Navarro, la dirección de arte y el maquillaje. Si prescindimos de la coherencia con la historia que le sirve de base, son alucinantes las pruebas de Ofelia, en especial el horripilante ser con ojos en las manos, devorador de niños, un auténtico engendro de la noche.

Un apunte aparte: la aparición final de Federico Luppi como el rey.



Escenas destacadas: la segunda prueba con el hombre pálido; la escena en la que el capitán Vidal se cose el corte en la cara; la aparición del fauno, en el laberinto.

Frases: “Mi nombre es Ofelia. ¿Quién eres tú?”, “¿Yo? He sido tantos nombres… Viejos nombres que sólo el viento y los árboles pueden pronunciar. Soy la montaña, el bosque y la tierra… Soy… soy un fauno”; “Capitán, obedecer por la seguridad de obedecer… eso sólo lo hace gente como usted…”; “El capitán ha sido bueno con nosotros… Por favor, Ofelia, llámalo padre. Es sólo una palabra, Ofelia, sólo una palabra”



“Dicen que rompió el reloj en el medio de la batalla, para que su hijo supiera la hora que murió. Que esa es la forma cómo muere un valiente”, “Esa es una leyenda. Mi padre no usaba reloj”; “Es con la otra mano, Ofelia”.

CONSEJO: esperar al video, sin apuro.

linkdos

Para cerrar la semana, una recomendación de sitios visitados que recomiendo agregar en los favoritos.

En primer lugar está:

“El corsario de la Gascuña”, sitio con links para bajar mp3 de Silvio Rodríguez, Charlie Parker, Víctor Heredia, Miles Davis, entre otros. Muy buen material, mucho difícil de encontrar aún en disquerías.

El link es:

http://perrerac.blogspot.com

Para miles de libros digitalizados, en más de un servidor, recomendamos:

http://hansi.libroz.com.ar/

El sueño de cualquier lector adicto y la comprobación de lo que puede llegar a ser Internet como medio de difusión de la cultura.

Del mismo modo, recomendamos el siguiente podcast:

http://7mares.podomatic.com/

con audios de textos literarios, en algún caso leído por el mismo autor, como Cortázar, Galeano o Miguel Hernández.

Otro blog recomendado, con mucha multimedia para literatura, música y cine, es el Proyecto Espartaco.

http://proyectoespartaco.wordpress.com/

Para anotar y difundir, recomendados de la casa.

reír a mares

LO QUE EL AGUA SE LLEVÓ

Fui con muy pocas expectativas a ver “Lo que el agua se llevó”, un nuevo filme de animación, con la asociación de Aardman (Peter Lord, remember “Pollitos en fuga” y “Wallace & Gromit”) y Dreamworks (Spielberg). Las críticas fueron tibias y, hay que reconocer, la fórmula “película para chicos dirigida para adultos” parece estar dando signos de fatiga. Bueno, para hacerla corta: hace tiempo que no me río tanto con una película. A carcajada limpia, en medio del cine. Si usted quiere pasar un muy buen momento, salir limpio de los problemas cotidianos, “Lo que el agua se llevó” es una más que buena opción.



Roddy es un ratón, mascota esclavo de lujo, en un hogar de humanos. Su sustento está asegurado, pero su vida es muy, muy solitaria. Un día, la familia que lo cuida, lo deja solo de vacaciones. Y Roddy debe lidiar con un congénere intruso que entra por el inodoro. No pregunten cómo, pero Roddy termina yendo al submundo cloacal, una Londres en miniatura donde los ratones tratan de sobrevivir, con las migajas que caen del nivel superior, tiranizados por un cruel sapo psicópata que trama la extinción de todos los roedores. En el medio, historia de amor, héroe que reconsidera su vida y salva la de sus amigos.

La trama de “Lo que el agua se llevó” no deja de ser convencional, pero el guión de Sam Fell (codirector con David Bowers), Peter Lord, Dick Clement, Chris Lloyd, Joe Keenan, Will Davies, Tim Sullivan y Ian La Frenais (sí, todos éstos) gana con la táctica, a puro gag. La sucesión de bromas, engarzadas sobre la estructura tradicional del cuento infantil, es lo que salva el filme.



Podemos hacer una prueba. Párese en la salida del cine y pregúntenle a los espectadores que salen de ver “Lo que el agua se llevó” que les pareció. Me arriesgo a apostar que 9 de 10 van a recordar el coro de babosas (uno de los personajes del año), el Sapo, la Rana Marcel Marceau o la Ranas Ninjas francesas. Esa es la clave: los delirantes personajes que acompañan a Roddy por su excursión submarina y el contrapunto de los opuestos con su pareja romántica, la aventurera Rita.

Lamentablemente, en la copia en español nos perdemos las voces de Kate Winslet, Ian McKellen, Hugh Jackman, Jean Reno o Billy Nighy, pero ya es una desventura que se ha tornado muy frecuente en las pantallas nacionales. A esperar el video, el DVD o la llegada al cable para disfrutarlo.



Escenas destacadas: la ruptura del dique; el museo snobista inglés del Sapo; la persecución por las cloacas de la embarcación de Rita, con Roddy colgando de un andamio; los coros de las babosas; el gag del capitán señalando el camino, hablando con una botella cortada a modo de megáfono.



Frases:

Mamá decía que destaco como la bandera japonesa

-Se robará tu bote
-No se robará mi bote
-Se roba tu bote
-No se roba mi...
-Se robó tu bote

Nunca debí mandarlos a hacer el trabajo de anfibios

Perdóname, mi considerado primo inglés. Pero esta extraña obsesión con las ratas no es buena para tí. Te estás convirtiendo en lo que los franceses llamamos... le loquillo



-Que no es arroz, son gusanos lo que estás comiendo
-Eso explica por que se movían cuando les agregué sal

¡Mosca a las doce en punto!

Estoy harto de ustedes, estúpidos ingleses con su budín de Yorkshire y su pescado frito. ¿Pensaron que podían vencer a Francia?

CONSEJO: ir a verla.

el viejo tonto que trasladó la montaña

Las montañas Taijang y Wuangú forman un macizo de unos dos mil metros de altura.

En su vertiente norte vivía un campesino de casi 90 años, conocido con el apodo de Viejo Tonto.

Su casa se encontraba frente a la montaña, y cuando salía a otro lugar se veía obligado a dar grandes vueltas que le causaban muchas molestias.

Un día reunió a toda su familia y dijo:

–Estas montañas nos cortan el camino y dificultan nuestras idas y venidas. Entonces todos juntos trataremos de sacarlas del medio. De este modo haremos un camino bien derecho y no tendremos que dar tantas vueltas para ir a la ciudad.

Todos aprobaron. Solamente su vieja mujer expresó dudas:

–Me gustaría saber cómo vas a arreglártelas. Creo que si ya te faltan las fuerzas para aplanar un simple montículo de tierra, te resultará imposible terminar con estas altas montañas.

También preguntó: ¿Dónde meterán tantas piedras?

Le respondieron:
–Las echaremos al mar.

Al día siguiente el Viejo Tonto con sus hijos y nietos partieron con balancines y canastos y comenzaron a trabajar duro, cavando la tierra y llevando las piedras hasta el mar.
Una viuda de la vecindad tenía un hijo de siete a ocho años y también él fue de la partida.

A orillas del Río Amarillo vivía un anciano con fama de inteligente, a quien llamaban Viejo Sabio, y que se reía de los esfuerzos del Viejo Tonto.

Un día le dijo:

–¡No hay derecho de ser tan tonto! Viejo como eres, apenas tienes fuerzas para arrancar las hierbas del suelo. ¿Cómo se te ocurre entonces remover tanta tierra y piedras con la pretensión de echar abajo las montañas?

El Viejo Tonto detuvo su trabajo, lanzó un profundo suspiro y respondió:

–¡Realmente eres un simple de espíritu! Tu cabeza vale menos que la del hijo de mi vecina, que siendo un niño comprende nuestro trabajo y nos ayuda. Es cierto que ya soy viejo y no me quedan muchos años de vida, pero después de mi muerte quedará mi hijo, a quien sucederá mi nieto, quien a su vez tendrá también un hijo y un nieto. Durante todo ese tiempo las montañas no habrán crecido siquiera una pulgada, entonces, ¿por qué no vamos a terminar el trabajo de trasladar la montaña?

El Viejo Sabio no pudo contestar nada al Viejo Tonto.

Del “Li Tse”, obra de Li Yu-kué (año 500 a. C.)

“El cuento chino”
selección de BERNARDO KORDON

frases de “Sueños de gloria”

OFRENDAS A LOS DIOSES DE LA VELOCIDAD.

¿Y qué tal si corta el césped? Es una vergüenza para el barrio.

Aquí está la receta perfecta. Dos de Chevy, uno de Ford.

Un tipo una vez me preguntó: "¿Qué tratamiento térmico les da?". Le respondí: "No les doy, sólo los sumerjo en agua fría y listo". Y él dijo: "Ese es el tratamiento térmico".

-¿Por qué orinas en el limonero?
-¿Quién te dijo que hago eso?
-Mi mamá dijo que te ve hacerlo todas las mañanas.
-¿Ella te dijo eso? Bien, es abono. No debemos desperdiciar nada en este mundo.



Yo no se lo dije a nadie más, Fran... pero no creo que vaya a ir a Bonneville este año. No, este año. Setecientos es mucho dinero y el barco zarpa dentro de cinco días.

Sólo me gustaría ver qué tan rápida es antes de tirar la toalla, antes de estirar la pata.

Lamentablemente, sus días de motocicleta se terminaron.

- ¿Es tan importante ese viaje?
- Por supuesto que sí. Desde chico me interesa la velocidad, las motos veloces
y Bonneville es un circuito rápido. Es un lecho seco de lago inmenso y plano y se puede alcanzar el límite con la moto. Es uno de los únicos lugares del mundo donde se puede ver de cuánto una moto es capaz.

Uno vive más en cinco minutos corriendo con una moto así que ciertas personas en toda su vida.



El peligro es el condimento de la vida. Es necesario arriesgarse de vez en cuando, ¿no? Es lo que hace que la vida valga la pena.

-Quien no parte a buscar sus sueños, vive como un vegetal.
-¿Qué tipo de vegetal?
-Qué se yo... un repollo.

-Ve con calma, Burt.
-Es lo único que no pretendo hacer.

Si no voy cuando quiero ir, cuando vaya ya será tarde.

Theodore Roosevelt dijo: "No es la crítica lo que cuenta ni el hombre que señala como el otro tropieza ni dónde aquel que hace podría haberlo hecho mejor. El mérito es de aquel que está en el ruedo".




-¿Cuál es el objetivo de su viaje?
-Batir un récord.
-¿Y cómo pretende hacerlo?
-Con mi motocicleta. Está en el barco, voy a descargarla mañana. Es una Indian Scout 1920 adaptada.

Voy a decirle algo, amigo, es difícil ser viejo aquí.

Cuando esté conduciendo, no sólo en los EE. UU sino en cualquier lugar del mundo el conductor tiene que estar siempre en el centro de la calle. En el centro. Si no está en el centro, está del lado equivocado de la calle.

La vieja Indian está lista para soportar un día más.



Creí que íbamos a lograrlo y ahora mira lo que ocurrió.

El hombre es como una hoja de césped crece en la primavera, fuerte, saludable y verde. Entonces, llega la mediana edad y madura y en el otoño, como una hoja de césped muere y no vuelve más. Como una hoja de césped. Cuando alguien muere, es para siempre. Siempre lo creí desde chico.

- ¿De dónde?
- Invercargill. L-N-V-E-R-C-A-R-G-l-L-L. A veces, lo escribo con una "l" para ahorrar tinta.

-Pero en seis meses terminamos la guerra (de Vietnam), es lo que nos dicen. No veo la hora de irme de allá.
-Sí, recuerdo la guerra de 1914. Yo tenía tu edad y decían eso también. Que iba a terminar enseguida. Causó 20 millones de muertos y duró cuatro años.

Estoy en Bonneville. No lo puedo creer. Estoy aquí, lo logre. Lo logré.




Toda la vida quise hacer algo importante. Algo más importante que mis amigos. Llegamos a Bonneville. Aquí es donde las cosas importantes ocurren.

Lo lograré aquí. Sí. Esta semana. Para eso estamos aquí.

- ¿Y su traje antiflama?
- ¿Qué?
- ¿Su ropa antiflama?
- No pretendo prenderme fuego.

-Creo que él puede correr. Vino de Nueva Zelanda para correr.
-¿Echaste un vistazo en su moto?
-Sólo sé que es un personaje.
-Sí, pero la moto es un dinosaurio.

¿Quiénes se creen que son? Por Dios, no voy a correr un maratón. Sólo voy a sentarme y acelerar. Al final, es mi vida, ¿no?

¿No puedes hacer nada? Sólo quiero intentar pasar los 320, sólo una vez. Después de lograrlo, vuelvo a Nueva Zelanda y listo.



-¿Y la vibración?
-Cruzaré ese puente cuando llegue allá.

Cielos, estoy emocionado hace 25 años que sueño en venir aquí. Tengo que tratar de justificar el respeto de ustedes. Bien, la velocidad original de mi moto era 87km/h. Hoy voy a intentar mejorar eso un poco.
¡Papá, papá! ¡Burt lo logró!

viejito rápido

SUEÑOS DE GLORIA

La vieja historia del camino del héroe, del hombre que no cede a resignar sus sueños, no importa que esté en el final de su jornada. “Sueños de gloria” no es una obra maestra, pero es una muy buena película. Y en estas épocas, no es poco. Es la historia increíble, pero real de Burt Munro, un neocelandés de un pueblo perdido al sur de la isla, que se pasó 25 años mejorando la moto Indian comprada en 1920. Cada mejora adicional le fue dando un toquecito más de velocidad. Y su sueño, cuando ya bordea los 70, con una arteriosclerosis a cuestas y un infarto cercano en cualquier momento, es viajar a Bonneville, la mejor pista de pruebas del mundo, para probar de cuánto es capaz esa vieja moto mejorada.

La película de Roger Donaldson (el director de “Trece días”) se mece al ritmo cansino de Invercargill, el pueblito de Nueva Zelanda al borde del océano, en cuyas playas Munro testeaba sus motos. La trama se estructura en tres unidades claras: la etapa pueblerina en Nueva Zelanda, la road movie por las rutas de Estados Unidos hasta llegar a Bonneville y el momento de la prueba, en el lago seco de Bonneville. En cada tramo, el héroe encuentra obstáculos, inconvenientes que nos hacen decir: “no, no va a poder; es una locura”. Pero Munro sigue adelante fiel a su perseverancia en apariencia inconsciente. Ese fuego por la obtención de su sueño contrasta con sus 70 años, su imagen de dinosaurio a quien le pasó de lado la oportunidad. Tenaz, Munro sabe que tiene una chance, sólo una bala más en la cartuchera, y no cederá hasta quedar en la gloria.




No revelamos nada importante en términos dramáticos, si decimos que no sólo Munro quebró el récord mundial para motocicletas de menos de 1000 cc., sino que, esa marca, sigue sin ser batida hoy en día. Impresionante historia de vida y más impresionante porque fue real. (Hay algunas “licencias” poéticas en el relato pero que no invalidan la veracidad del hecho en sí).



En un elenco amable, se destaca la actuación de Anthony Hopkins, en un gran trabajo, medido, sin que su personalidad desborde al personaje que tiene que representar. Es un muy buen papel para poner entre los mejores trabajos de Hopkins.

Escenas a destacar: la ruptura del récord; la llegada a Bonneville; la despedida de Munro de su vecindario; el regreso, en la última escena del filme; los diálogos con Tina.

Las mejores frases, en un post de mañana

CONSEJO: esperar al video. Anotarla para ver.

¿por qué dejaron de ser cool los reyes magos?

1) Porque Papá Noel demuestra más productividad: él solo hace el trabajo de los otros tres y no tenés que dejarle pasto para los renos.

2) Porque Papá Noel tiene mejor humor; está toda la noche haciendo: “¡jo, jo, jo!”

3) En estos tiempos, es difícil adaptarse a la idea de dejar entrar tres tipos a tu casa, a la mitad de la noche.

4) Después del casamiento del Príncipe Carlos y de la participación del hijo de Tu-Sam en “Showmatch”, tanto los Reyes comos los Magos, están desprestigiados.

5) Porque los tipos son de la nobleza, están cagados en guita y te terminan arreglando con una pelota o un autito rasposo.

6) Porque cuándo le reclamás la porquería que te trajeron, se hacen los giles y dicen que fueron tus viejos.

7) Porque eso de los camellos, es muy jorobado

8) Porque te tenés que bancar, una semana más, tener armado el árbol de Navidad, esperando a estos giles

9) ¿Porque adónde catzó vas a encontrar pastito en esta ciudad, que tenés cemento por todos lados?

10) Porque ellos hacen su trabajo cuando estás dormido; en cambio, Papá Noel, al mismo precio, te hace el show en vivo.

como se pescan calamares

El calamar tiene ocho brazos que puede replegar sobre su cabeza: de tal modo se esconde de cualquier enemigo. Para protegerse mejor suelta además un líquido muy negro, la famosa tinta que le sirve para ocultarse al menor peligro.

Cuando los pescadores ven que el agua se pone negra echan la red y así pescan fácilmente a los calamares.

“El cuento chino”
selección de BERNARDO KORDON

inés weinberg

Del reportaje publicado ayer en “La Nación” extraemos las mejores definiciones de Inés Weinberg, la jueza argentina integrante del Tribunal Penal Internacional, actualmente en el tribunal multicultural e internacional de Arusha (Tanzania) donde se investigan las masacres en Ruanda de 1994.

Es muy difícil de entender cómo un buen día, el 7 de abril de 1994, tantas personas juntas salieron con sus machetes a matar a sus vecinos. Vivo sola en Tanzania [que limita con Ruanda], pues mi familia está en la Argentina, y a veces pienso que es una gran cosa, porque muchas noches llego a mi casa sin ganas de hablar con nadie, por los relatos que escucho. Es una deshumanización espeluznante la de las personas que llegan a esos extremos. Hablamos de vecinos que hacían piquetes y detenían camiones con mujeres y niños a los que masacraban en bloque...

***

En una ocasión, un grupo de estudiantes de un colegio diferencial vinieron a Arusha y me pidieron que tratara de explicarles el genocidio de Ruanda. La explicación que encontré es que, tanto en el caso de la ex Yugoslavia como en Ruanda, la mayoría de la gente siguió a los demás. Un componente importante era sentirse parte y no ser discriminado por la sociedad de pertenencia. De modo que si uno del grupo dice "hay que matar", muy pocos se atreven a decir que no.

***

Cuando uno ve a los acusados, se trata de gente como uno. Son personas muy normales que, despojadas de sus armas, dicen que no entienden cómo pudieron haber participado y cómo pudo haber pasado aquello. Muchos de los acusados estudiaron en Europa, hablan un francés impecable y son gente sofisticada. Allí no hay falta de educación. Yo pienso que hay luchas por el poder que se salen de control.

***

Uno de los acusados es Simon Bikindi, un cantante hutu muy popular. El compuso varias canciones en kinyarwanda -una de las dos lenguas oficiales de Ruanda- que se escuchaban en los mítines políticos. Los casos impactan de distinta manera. Impacta que el primer ministro Kambanda se haya declarado culpable, porque, según dijo, no pudo haber ignorado lo ocurrido, dado su cargo, e impacta que haya sido condenado a cadena perpetua. Desde entonces, nadie más se declaró culpable de nada. Lo que impresiona es que alguien asuma responsabilidades, aunque sea parciales. Porque la mayoría las elude. Parece el caso Cromagnon. Es muy preocupante esa negación total de lo ocurrido, que parece llegar al extremo de querer decir que nada ocurrió. Lo demás es estar en una película de ciencia ficción. En el tribunal de Ruanda los abogados defensores todavía discuten que se haya cometido genocidio...


***

Lo que parece claro es que, para que haya genocidio, tiene que haber un trabajo paulatino de muchos años identificando a un grupo como enemigo. Y eso tiene mayor alcance cuando los medios están en manos del poder político.

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En los casos que conozco, la violencia es producto de una acción paulatina a la que no le prestamos la debida atención en el momento adecuado. Uno deja crecer lo que cree que no es peligroso y que parecen actos aislados. Pero la acción es paulatina. Nadie se levanta un día y mata al vecino porque sí. Hace falta acostumbrarse a la idea de que el otro es diferente.

***

Me sigue impresionando, en nuestro país, esa aceptación mayoritaria de que nos digan lo que tenemos que hacer. Aceptamos mucho que nos den la solución de los problemas. Lo veo con preocupación, porque, al no buscar cada uno la solución en uno mismo, mejorando lo que uno hace, se espera siempre el milagro. Y ésa es una de las condiciones para que ocurran excesos.


***

Para que la crueldad prospere todo el terreno tiene que prepararse antes. Es muy importante como factor el miedo, y la deshumanización está muy ligada al miedo. El miedo por la supervivencia siempre comienza con hechos crueles. Es necesario educar en conceptos como comunidad y convivencia. Cuando me toca un caso muy difícil siempre releo a Hannah Arendt. En el caso Eichmann, se explica que la cuestión de la solución final, que involucró a tanta gente, obedeció a que esa gente creía que le estaba prestando un gran servicio a su país y que por eso tenía que hacer algo contrario a sus normas, para salvar a la patria. Eso es aplicable a distintos países en circunstancias aberrantes.


SUSANA REINOSO
Inés Weinberg: "Los genocidios ocurren en terrenos propicios"
(la nación, 13.01.07)

en el muelle

El otro día, vimos por Retro, el clásico de Elia Kazan, “Nido de ratas” con Marlon Brando y Karl Malden, entre otros nombres notables. El filme trata sobre la mafia infiltrada en el sindicato de estibadores del puerto. Hay una escena que me llamó especialmente la atención para subirla a este weblog. Karl Malden es el Padre Barry, un cura que se decide a intervenir para que los obreros se saquen de encima a los mafiosos del sindicato que manejan los puertos.



La película empieza con la muerte de uno de los estibadores que se opone al sindicato, Joey Doyle. La prédica del padre Barry fuerza a otro obrero a animarse a declarar contra el jefe del sindicato. Pero, un día antes, muere “accidentalmente”, al caérsele encima una carga. El padre Barry llega al muelle, cuando Kayo agoniza y, enfurecido, enfrenta en un discurso antológico, a las caras del sindicato que lo miran desde arriba del barco. Y su discurso decide a un personaje, Terry Malloy (el genial Marlon Brando) a enfrentarlos.

El siguiente es el discurso del padre Barry, interrumpido por los obsecuentes del sindicato, que le arrojan basura desde las alturas. Sólo Marlon Brando hace callar a los que intenta callarlo.

-Le di mi palabra a Kayo de que si le hacía frente a la mafia, yo lo haría acompañaría hasta el final. Y ahora, Kayo Dugan está muerto. Era uno de esos tipos que tenía el don de enfrentarse a lo injusto. Pero esta vez le dieron. Esta vez le dieron para siempre. A menos que fuese un accidente, como dice Big Mac. Algunos creen que la crucifixión sólo ocurrió en el Calvario. Más vale que se enteren. Matar a Joey Doyle para impedir que declarara, es una crucifixión. ¡Tirarle una eslinga encima a Kayo porque mañana iba a declarar es una crucifixión! ¡Y cada vez que la mafia le da una paliza a un hombre e intenta impedir que cumpla con su deber como ciudadano es una crucifixión! Y cualquiera que se quede de brazos cruzados y permita que eso ocurra que guarde silencio sobre algo que sabe que ocurrió es tan culpable como el soldado romano que clavó una lanza en la carne de nuestro Señor...
-¡Regresa a tu iglesia, padre!
-¡Muchachos, ésta es mi iglesia! ¡Si creen que Dios no está presente en el muelle, más vale que se preparen!
-¡Largo del muelle, padre!
-Tillio, no hagas eso.
- Tú no mandas aquí, muchacho.
- Déjale acabar.
-Todas las mañanas cuando el jefe contratista sopla su silbato Jesús está de pie al lado de ustedes, en la formación. Ve cómo a algunos los eligen y a otros los ignoran. Ve al padre de familia preocupado por pagar el alquiler y por llevar comida a casa para su esposa e hijos. ¡Ve cómo venden sus almas a la mafia por un jornal!
-¡El próximo desgraciado que tire algo, se las verá conmigo! ¡No me importa que me doble en tamaño!
-¿Qué piensa Jesucristo de los estafadores que no trabajan nada y se llevan todo el dinero? ¿Y qué piensa de los tipos que llevan trajes de $150 y anillos de diamantes comprados con sus cuotas del sindicato y el dinero de sus comisiones? ¿Y qué pensará Él que levantó su voz sin miedo contra todos los males sobre su silencio?
-¡Ya cállate!
-Observa. ¿Viste eso?
-¿Quieren saber qué le ocurre a nuestros muelles? Es el amor por el sucio dinero. ¡El amor por el dinero, el trabajo fácil es más importante que el amor por el prójimo! ¡Olvidan que cada hombre aquí es su hermano a los ojos de Dios! Pero recuerden, Jesucristo siempre estará con ustedes. Jesucristo está en la formación, en el granero, está de rodillas, aquí mismo al lado de Dugan. Y está con todos ustedes. “Lo que hicisteis a uno de mis hermanos, a mí lo hicisteis". ¡Y lo que le hicieron a Joey y a Dugan, se lo hacen a ustedes! A ti, y a ti. ¡A todos! Y sólo ustedes, sólo ustedes, con la ayuda del Señor, pueden acabar con ellos para siempre.

NIDO DE RATAS
(On the waterfront, 1954)
Director: Elia Kazan
Guión: Malcolm Johnson – Budd Schulberg
Protagonistas: Karl Malen, Marlon Brando, Lee J. Cobb, Eva Marie Saint
Fuente: www.us.imdb.com

Iwao Takamoto, el papá de Scooby-Doo

LOS ANGELES (AP).- Iwao Takamoto, creador del querido Scooby-Doo y director del clásico animado Charlotte s Web , ha muerto. Tenía 81 años.

Takamoto falleció anteayer de insuficiencia cardíaca en el Centro Médico Cedars-Sinai, informó el vocero de Warner Bros., Gary Miereanu.

En su carrera, que se extendió por más de seis décadas, Takamoto contribuyó en los diseños de algunos de los personajes animados más populares del cine y la televisión, para Disney y Hanna-Barbera.

La lista incluye La Cenicienta, Peter Pan, La dama y el vagabundo, 101 dálmatas, Los Supersónicos y Los Picapiedras.

Pero fue su creación de Scooby-Doo, el cobarde perro de espíritu aventurero, que cautivó a los espectadores y perduró por generaciones.

Takamoto dijo que creó a Scooby-Doo tras conversar con un criador de perros Gran Danés y que le dio su nombre en honor a la última frase de la canción de Frank Sinatra Strangers in the Night.

El criador "me mostró algunas fotografías y habló sobre los puntos importantes de un Gran Danés, como su lomo recto, patas rectas, mentón pequeño y demás”, dijo Takamoto recientemente en los estudios de la cadena Cartoon Network.

"Decidí hacer lo contrario y le di un lomo jorobado, piernas torcidas, un mentón grande... Hasta su color es el equivocado”.

Takamoto también creó otros perros famosos como Astro de Los Supersónicos y Muttley, que apareció en varias animaciones de Hanna-Barbera. Dirigió además el largometraje animado de 1973 Charlotte’s Web .

Nacido en Los Angeles de padres japoneses, Takamoto terminó la escuela secundaria al empezar la Segunda Guerra Mundial. El y su familia fueron enviados al campamento de internamiento de Manzanar en el desierto de California, donde aprendió de otros internos el arte de la ilustración.

Pese a la falta de entrenamiento formal, al regresar a Los Angeles consiguió una entrevista con los estudios Walt Disney y fue contratado como aprendiz.

Takamoto deja a su esposa Barbara, su hijo Michael y su nuera Leslie.

DAISY NGUYEN
“La animación, de luto”
(la nación, 10.01.07)

domingo, 22.12.1806 – ofrecimiento

“A los hijos del Sol, a los que gloriosamente habéis echado a esos colorados de vuestra casa, que lograron tomar por una desgracia; a vosotros, que sois los Padres de la Patria, venimos personalmente a manifestaros nuestra gratitud, no obstante que por nuestros diferentes enviados os tenemos ofrecido cuanto auxilios y recursos nos acompañan: hemos querido conoceros por nuestros ojos, y llevamos el gusto de haberlo conseguido; y pues reunidos en esta grande habitación donde igualmente vemos a nuestros Reyes, en su presencia, y no satisfechos de las embajadas que os tenemos hechas, os ofrecemos nuevamente, reunidos todos los grandes Caciques que veis, hasta el número de veinte mil de nuestros súbditos, todos gente de guerra y cada cual con cinco caballos; queremos sean los primeros a embestir a esos colorados que parece aún os quieren incomodar. Nada os pedimos por todo esto y más, que haremos en vuestro obsequio, todo os es debido, pues que nos habéis libertado, que tras de vosotros siguieran en nuestra busca”.

Quien hacía se expresaron, el 22 de diciembre de 1806, en el Cabildo de Buenos Aires, a través de un intérprete eran diez caciques pampas que venían a ofrecer sus servicios y cerca de 30 mil hombres, para oponerse al futuro ataque británico.

Ya el 17 de agosto, el Cabildo había recibido la visita del indio Pampa Felipe en representación de 16 caciques pampas y tehuelches para aportar su ayuda contra “unos hombres tan malos como los colorados”. El Cabido agradeció la oferta y "en caso necesario (..) la tendrían muy presente en todo tiempo". Un mes después, vuelve otra embajada, Felipe con el cacique pampa Catemilla ratificando la oferta anterior y agregando que han hecho las paces con los Ranqueles, con quienes estaban en guerra, para proteger a los cristianos de los colorados. El Cabildo responde de igual modo, agradeciendo y teniéndolos en cuenta, pero sin concretar ninguna alianza.

“El Cabildo ha oído con indecible gozo el afecto y reconocimiento que merece a los grandes caciques que tiene a la vista. Si hasta hoy han conocido cuánto se ha esmerado en contribuir a su prosperidad, en cumplimiento de sus disposiciones de sus Soberanos, que tanto los ama y recomienda, ahora con mayor razón, deben esperarse aumente la protección que les dispensa por la fidelidad con que se ofrecen gustosos a defender sus dominios. Este cuerpo admite la unión que le juráis, y en prueba de ello os abraza como fieles hermanos” les contesta, en representación del Cabildo, el Alcalde de Primer Voto, a esta nueva embajada que llega cuando el año 1806 está por terminar.

“Por ahora no hay un motivo para que os incomodéis. La fidelidad, amor y patriotismo de las numerosas y esforzadas tropas que en cuerpos se halla formadas, aseguran la defensa de esta hermosa capital y por lo mismo sólo os recomienda hoy el celo y vigilancia de nuestras costas, para que los ingleses, nuestros enemigos y vuestros, a quien llamáis colorados no os opriman ni priven vivir con la tranquilidad que disfrutáis y os profesan los mejores y más benignos de los Soberanos del Mundo, de quienes somos vasallos y a quienes daremos cuenta de vuestra heroica fidelidad. El Altísimo os mantenga en iguales sentimientos para que de este modo seáis siempre felices”. contestó el Cabildo.

Detrás del amable agradecimiento, estaba las sospechas que los porteños tenían hacía los indios y la demostración de 30 mil hombres llegando a la ciudad, les ponía los pelos de punta, más aún que el ejército británico que venía en camino. Una gran pregunta de “historia-ficción” es, qué curso hubiera tomado nuestra historia, si esta alianza entre indígenas y criollos se hubiera afianzado, en la primera defensa ante un enemigo común.


(Éste y otros posts sobre las invasiones inglesas pueden consultarse en: http://invasionesinglesas.blogspot.com)

la sospecha

Un hombre perdió su hacha y sospechó del hijo de su vecino. Observó la manera de caminar del muchacho: exactamente como un ladrón. Observó la expresión del joven: como la de un ladrón. Observó también su forma de hablar: igual a la de un ladrón. En fin, todos sus gestos y acciones lo denunciaban culpable del hurto.

Pero más tarde encontró su hacha en un valle. Y después, cuando volvió a ver al hijo de su vecino, todos los gestos y acciones del muchacho parecían muy diferentes de los de un ladrón.

“El cuento chino”
selección de BERNARDO KORDON

Baba Memorial 2006

Lo que todos estaban esperando: ¡basta de pavadas! ¡Carnaza de celuloide! El ranking onanista tradicional de esta página, las potras que derritieron la pantalla el año pasado y nuestro podio de honor. Que se vengan las Diosas de todas partes…

Perro de Pavlov de Oro 2006 a:

Uma Thurman



Mirenla: es flaca, medio chueca, nariguda y con ojos de huevo duro. Vuelvan a mirarla, dos minutos después. No podés creer que exista una mujer tan hermosa. Diosa por donde se la mire, Uma asciende al trono de honor, no tanto por ese bodriazo que se llamó “Secretos de diván”, sino por sus largas piernas cruzadas, sobre el escritorio de “Los productores”, vestidito blanco cortón para la deliciosa Ulla.



Sencillamente, impresionante.

En segundo lugar (ahí nomás), otra chica de celuloide que te rompe el corazón cuando te mira. ¡Suenen trompetas! Tatatatata…!

Perro de Pavlov de Plata 2006 a:

Keira Knightley



En “Orgullo & Prejuicio” no nos podíamos imaginar cómo esa chica podría quedarse solterona, aunque no tuviera un mango partido al medio. Y en “Regresiones de un hombre muerto” nos sedujo su look reventadita borracha al borde del suicidio.



Pero… ¿quién puede olvidarla a bordo del “Perla Negra” con su sombrerito de pirata?



¡Grande Keira! ¡Bienvenida al ranking chatarra!

Y por último, en este podio de honor 2006

Perro de Pavlov de Bronce 2006 a:


Isabelle Huppert

Debilidad de esta página, el sabor francés para este ranking.



La compramos como la jueza de “La comedia del poder”, en trajecito negro y pelo lacio (tras varios cambios de look, en casi dos horas de película). ¿Qué más puede decirse, sino mirarla?



Una sensualidad que nace de cada pequeño gesto, de cada mirada. Aguante la veterana.

Finalistas (todas dignísimas, digo liadísimas), quedaron ahí nomás, las siguientes Diosas del Celuloide del 2006. ¡Un fuerte chiflido para ellas!:

La caminata de la minifalda que acompaña el monólogo de la calle perfecta en “Las muñecas rusas”


Scarlett Johansson, deliciosa en camisa y jeans en “Match Point”

El desnudo de Alexis Dziena, la lolita de “Flores rotas”.


Sharon Stone, belleza otoñal en “Flores rotas”.


Luisa Ranieri, la pulposa morocha que se desnuda generosamente en el segmento de Micheangelo Antonioni de “Eros”


Gwyneth Paltrow, con pulóveres de mangas largas y sucias, en “La prueba”.


Lucy Liu, la deliciosa vecinita de “7, el número equivocado”.


Bridget Moynahan, en bikini blanca, en “Señor de la guerra”.

Emily Blunt, desnuda al contraluz de una ventana en “Mi verano de amor”


Gong Li, cruzada de piernas, en “Division Miami”


Bryce Dallas Howard, sólo con una camisa puesta, largas piernas y pelo mojado en “La dama en el agua”.


Alice Taglioni, la espectacular modelo rubia de “Mi otro yo”.


Luna Paiva, la seductora primita Luciana de “Judios en el espacio”.


Kristin Scott Thomas y Tamsin Egerton, madre e hija, una de morocha, otra de minifalda, en “Sálvese quien pueda”.


Ellen Page, la perversa adolescente vengadora de “Hard Candy”.

Neelesha BaVora, la chica que nos enseña una nueva posición sexual tántrica, en la historia budista “Samsara”.


Eva Green, la fatal chica Bond, de “Casino Royale”


Jennifer Aniston, de morocha, mostrando pechuga, en un hotelucho de mala muerte en “Descarrilados”.


Natalie Portman, la deliciosa Evey de “V de Venganza”


Vera Farmiga, la psicóloga de “Los infiltrados”.